Archivo de la categoría: Fotografía

‘Centenario surrealista’ en PHoto España 2024

André Breton agitó el mundo con su Manifiesto surrealista en 1924, planteando patrones intelectuales rompedores que darían un vuelco a la creación artística de las décadas siguientes y cuyo eco sigue resonando en las artes de hoy. En el marco de PHoto España 2024, LOEWE y la Fundación LOEWE celebran el centenario de este manifiesto con una exposición titulada Centenario surrealista que plasma la fascinación que esta corriente provocó en la fotografía de la época.

Abanderadas del surrealismo como Kati Horna (1962), Leonora Carrington (1917-2011) o Dora Maar (1907-1997) lideran una exposición que reúne también el trabajo de otros artistas que, aunque no se consideraron parte de este grupo creativo, sí inciden con su obra en conceptos experimentales y poco convencionales inspirados en esta corriente, como André Kertész (1894-1985), Horst P. Horst (1906-1999), Tina Modotti (1896-1942) o Edward Weston (1886-1958). Icónicas imágenes como la obra sin título de la serie Ode to Necrophilia (1962) de Horna -en la que aparece una mujer encapuchada junto a una máscara mortuoria- o Robert Wilson on Paul Walter Chair (1990) de Horst P. Horst -que muestra una silla de tamaño exageradamente grande con un hombre sentado en ella y un fondo de nubes pintadas- acompaña a las famosísimas fotografías que Imogen Cunningham y Barbara Morgan hicieron de la bailarina y coreógrafa Martha Graham o los retratos del dramaturgo Jean Cocteau realizados por Berenice Abbott (1898-1991), Lucien Clergue (1934-2014), Philippe Halsman (1906-1979), Germaine Krull (1897-1985) y Dora Maar. No podían tampoco faltar artistas posteriores como Hiro (1930-2021), Ana Mendieta (1948-1985), Marion Scemama (1950), Kiki Smith (1954), David Wojnarowicz (1954-1992) y Francesca Woodman (1958-1981).

La comisaria María Millán ha sintetizado así el surrealismo fotográfico en una muestra que recoge el legado de veinticuatro artistas de América, Asia y Europa, formando un crisol que abarca algunas de sus obras más reseñables. Esta exposición nos recuerda la relevancia de la fotografía en el movimiento surrealista dada su capacidad para modificar la realidad a través de técnicas novedosas como el fotomontaje, las exposiciones múltiples, la superposición de negativos o la solarización. Los elementos vinculados con el inconsciente, representados en fotografía por atrezo sorprendente y entornos teatralizados, surgieron como respuesta a las nuevas corrientes de pensamiento en torno a la psique humana y las incorporaciones del reciente psicoanálisis de Freud.

En recuerdo a la histórica “Exposición internacional de surrealismo” celebrada en Ciudad de México en 1940, la importantísima aportación de Hispanoamérica cobra también relevancia en PHoto España con la presencia en este Centenario surrealista de los artistas mexicanos Lola Álvarez Bravo (1903-1993), Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), Rosa Covarrubias (1895-1970), María García (1936) o Graciela Iturbide (1942), pioneros de una corriente que arrastraba ya los posos del incipiente realismo mágico y que tanta relevancia tuvo en el movimiento surrealista. Con esta mirada internacional a la fotografía del siglo XX como herramienta de ruptura con el arte convencional y por su defensa de una libertad creativa alejada de los cánones de la época, LOEWE, la Fundación LOEWE y PHoto España dan continuidad a un proyecto que ya incluyó, anteriormente, a artistas como Tina Modotti, Minor White, David Wojnarowizc, Hervé Guibert o George Platt Lynes.

Centenario surrealista
Leica Gallery Madrid. C/ Ortega y Gasset, 34, 28006 MADRID
Del 6 de junio al 14 de septiembre de 2024. De lunes a viernes de 10h a 20h
Sábados de 10h a 14h y de 16h a 20h
Domingos y festivos, cerrado
Entrada gratuita

Fotografías: Kati Horna (Leonora Carrington en su estudio, Sin título, El ojo), ánonimo (Joven en N.Y.).

Malick Sidibé: la joie de vivre

El malinés Malick Sidibé (Soloba, 1936 – Babako, 2016), conocido como “el ojo de Bamako”, protagoniza una nueva incursión de LOEWE y la FUNDACIÓN LOEWE en PHotoEspaña. María Millán ha comisariado una selección de imágenes que reflejan la exultante actividad urbana vivida en 1960 en Bamako, capital de Malí, tras su independencia de Francia.

Las fotografías, tomadas en la calle a lo largo de las dos décadas siguientes a los setenta años de dominio colonial, transmiten la atmósfera optimista y alegre que inundó a la juventud de la ciudad, además de una nueva y excitante vida nocturna que se impregnó por vez primera de jazz, swing, rock ’n’ roll y músicas cubanas gracias a la reciente apertura al comercio internacional. La exposición incluye también algunas ‘chamises’ originales: las coloridas cartulinas sobre las que el fotógrafo colgaba sus imágenes en el escaparate de su estudio. Un viaje en el tiempo en el que el orgullo del pueblo malinés se desborda a través de la imagen de los fotografiados, que se muestran desinhibidos, luciendo llamativos atuendos que mezclaban la moda del momento –pantalones de campana, zapatos con plataforma o minivestidos- con boubous, túnicas o tocados tradicionales malinienses.

Formado en la École des Artisans Soudanais de Bamako –hoy el Institut National des Arts–, Sidibé fue aprendiz del fotógrafo francés Gérard Guillat-Guinard y tres años después abrió su propio estudio en Bamako, centrado en fotografía de eventos y retratos. La primera exposición de su obra fue comisariada por André Magnin en París; en 2003 ganó el Premio Hasselblad y en 2007 el Premio a la Trayectoria de la Bienal de Venecia, entre otros muchos galardones.

LOEWE Y la FUNDACIÓN LOEWE, con esta exposición, inciden en el poder de la fotografía como herramienta de captación de los cambios sociales, recalcando así el poder de la libertad de expresión. La exultante energía que transmite el trabajo de Malick Sidibé nos recuerda la esencia optimista de una sociedad en transición que contribuyó al nacimiento de una nueva generación extrovertida, celebrando su reciente liberación.

Malick Sidibé: La alegría de vivir
Del 2 de junio al 23 de septiembre de 2023
Leica Gallery Madrid, calle Ortega y Gasset 34, 28006 – Madrid Horario: L-V de 10:00 a 20:00. Sábados de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00. Domingos y festivos, cerrado.
Entrada gratuita

Ikkō Narahara en Kyotographie

Kyotographie, uno de los eventos artísticos más relevantes de Japón, acoge y homenajea desde 2011 sus milenarias tradiciones artísticas. Distintos espacios de la histórica ciudad de Kioto acogen una selección de fotografías Zen de la colección Japanesque publicada en la década de 1970 por Ikkō Narahara (Fukuoka, 1931 – Tokio, 2020), uno de los artistas más representativos del periodo japonés de posguerra. Tras sus años de formación en Japón, su primera residencia en París en la década de 1960 le sirvió para poder documentar la realidad de su país con una mirada nueva.

El trabajo de Narahara ya era reconocido internacionalmente desde finales de la década de 1950 por sus hoy legendarios paisajes atmosféricos Human Land y sus retratos desvelando la realidad de una mujer encarcelada en Within the Wall. Su admiración por el trabajo de Diane Arbus en Nueva York lo incitó a documentar comunidades aisladas y condiciones extremas en su trabajo posterior, consiguiendo efectos tremendamente expresivos gracias al uso de la lente de gran angular. Tras su retorno a Japón en 1999, Narahara fue profesor de la Kyushu Sangyo University hasta 2005. Su legado forma parte de las colecciones de las más relevantes instituciones de todo el mundo, como The Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York, el Museo Nacional de Arte de Osaka o el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Tokio.

La mezcla de serenidad y austeridad de los monjes reflejada en la sub-serie Zen –una de las ocho partes que constituyen su célebre Japanesque– traslada al espectador al templo Sohonzan Soji de la Escuela de Sōtō Zen a través de una enigmática monocromía que conjuga lo figurativo con la abstracción. Partiendo de la edición anterior de Kyotographie –One– y ciertas enseñanzas budistas, la exposición Zen se dispone escenográficamente a través de Shoin Hall y los salones de té del templo de Ryosoku-in, fundado en 1202 y considerado el más antiguo de los templos budistas de la histórica ciudad. Las fotografías se integran en el espacio de forma sorprendente, invocando distintos puntos de vista dependiendo del recorrido del visitante.

Kyotographie: del 9 de abril al 8 de mayo, en Kioto (Japón).

Fotografías de la serie Zen de Ikkō Narahara.

KYOTOGRAPHIE 2021: fuerza, resiliencia y humanidad

La FUNDACIÓN LOEWE se complace en anunciar la inauguración de la instalación de bambú del maestro Tanabe Chiku’unsai IV en el histórico castillo Nijō, actualmente expuesta en el marco del festival Kyotographie.

La FUNDACIÓN LOEWE se complace en apoyar al aclamado artista Chiku’unsai IV Tanabe en KYOTOGRAPHIE 2021, el festival de arte y cultura que se celebra en la ciudad antigua de Kioto.

La exposición Connection-STAND la conforman unas monumentales esculturas entrelazadas, elaboradas con gran maestría en bambú e instaladas en el castillo Nijō, una construcción del siglo XVII declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO. Incluye, además, un reportaje fotográfico y videográfico a modo de making of del montaje de la instalación in situ a lo largo de los cuatro días previos a la inauguración.

Tanabe Chiku’unsai IV nació en 1973 en Osaka, Japón, en el seno de una familia de artesanos del bambú cuyo linaje se remonta a hace más de 100 años. Teje enormes instalaciones retorcidas empleando una sabía combinación de técnicas modernas y tradicionales, transmitidas por la saga de cuatro generaciones a la que pertenece. El objetivo de Chiku’unsai IV es dirigir la atención de un público internacional a estas sorprendentes obras de arte para mostrar las maravillas que se pueden crear con un material sostenible, característica inherente del bambú, la planta con la mayor velocidad de crecimiento del mundo.

La obra de Chiku’unsai IV, en la que explora temas relacionados con la circularidad, la innovación y la individualidad, encarna un sentido de la belleza sencillo pero intrincado. Aprovechando la singularidad de cada pieza individual de bambú, las formas ondulantes de las instalaciones y objetos tejidos por Chiku’unsai IV se guían por las «diferentes personalidades» de los tallos de bambú negro y de tigre que utiliza. Dado que el bambú es más resistente y fuerte que el acero y que la construcción de las estructuras es completamente artesanal -únicamente intervienen las manos del artista-, estas se sostienen solas. A menudo reutiliza material de esculturas anteriores para crear estructuras nuevas. Es por eso que su obra es una meditación sobre la evolución y el ciclo de la vida, pero también una demostración del potencial estético y arquitectónico del bambú.

La novena edición de la exposición Kyotographie, titulada ECHO, explora la relación de la humanidad con la naturaleza en la década transcurrida desde el Gran Terremoto del Este de Japón y tsunami de 2011. La exposición Connection-STAND de Tanabe Chiku’unsai IV, situada en las áreas de cocina y almacenes (Daidokoro y Okiyodokoro) del Palacio Ninomaru, en el suroeste del complejo del castillo Nijō, se podrá visitar del 18 de septiembre al 27 de octubre de 2021.  Más adelante, a principios de 2022, se podrá admirar una selección de su trabajo en la tienda de LOEWE de Paseo de Gracia, Barcelona.

Hervé Guibert, en PHotoESPAÑA

Una exposición monográfica de Hervé Guibert protagoniza la novena participación de la FUNDACIÓN LOEWE en PHotoESPAÑA, que de esta forma continúa la linea iniciada en ediciones anteriores con Minor White y Hujar-Wojnarowicz. La emblemática tienda LOEWE de la calle de Gran Vía en Madrid acoge esta muestra, que podrá verse hasta el 1 de septiembre.

María Millán, como comisaria de la muestra, nos presenta en esta ocasión la vulnerabilidad del artista que se enfrentó a su enfermedad con actitud consciente y otorgando a su lucha personal un eco social que nos llega hasta hoy. Escritor y fotógrafo, a mitad de camino entre la expresión artística y la denuncia de su realidad, Herve Guibert (1955-1991) representa a los artistas de una generación que, a pesar de su relevancia en los ambientes intelectuales, no dejó de sufrir la estigmatización por su diagnóstico de sida. Maestro de lo cotidiano, Guibert nos muestra en su obra una gran delicadeza en el cuidado exquisito de sus composiciones y un equilibrio perfecto en sus juegos de luces y sombras; sus ambientes domésticos, sus amigos y amores, así como su actividad literaria, son los principales protagonistas de esta muestra. En ella veremos, entre otros, al matrimonio Balthus, a su amigo Thierry, a Michel Foucault, a Isabelle Adjani, o a las tías del artista. Personajes clave en el desencadenamiento y final de su enfermedad, que aparece retratada de forma elegantemente cruda.

Guibert -que se hizo un importante hueco en los ambientes culturales del momento gracias a su columna fotográfica en Le Monde- tuvo que enfrentarse a la actitud social hostil que despertó su enfermedad, y así nos los recuerda su obra. En los últimos tiempos, el artista cuestionó el tan afamado pensamiento liberal francés dando conciencia social a su lucha personal contra la muerte, concediendo voz y presencia a todo un colectivo que aún hoy, en muchas partes del mundo, lucha por sus derechos fundamentales de libertad. A través de situaciones hermosamente representadas con escenas cotidianas que evocan también sus deseos personales, sus anhelos y preocupaciones, el trabajo de Guibert invita a la reflexión y al compromiso social. Todas las imágenes expuestas son impresiones autorizadas por el patrimonio del artista y cedidas por la Maison Européenne de la Photographie. 

Con esta muestra, LOEWE vuelve a dar visibilidad a los esfuerzos de Guibert en las causas sociales que abordó y, de esta forma, espera contribuir en la lucha contra la intolerancia y la marginalización que aún hoy existen en muchos lugares, además de poner atención en la amenaza que supone para el mundo actual la pérdida de ciertas libertades que ya fueron ganadas. En el marco de estas reivindicaciones y coincidiendo con la muestra, el día 3 de julio a las 19h se reunieron Agathe Gaillard, Christine Guibert y Kiddy Smile en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para rememorar la escena artística del París de los años 80. El encuentro estuvo moderado por el periodista Jorge Barriuso.

Hervé Guibert. PHotoESPAÑA 2019. Galería LOEWE, calle de Gran Vía, 8, madrid. Del 5 de junio al 1 de septiembre [Lunes a sábado: 10.00 a 20.30h. Domingos y festivos: 11.00 a 20.00h].

Fotografías: Autoportrait, 1989. Balthus et sa femme, 1988. Collection Maison Européenne de la Photographie, París © Hervé Guibert.

Hujar y Wojnarowicz, protagonistas en PHotoEspaña

Los artistas Peter Hujar y David Wojnarowicz protagonizan una exposición que la FUNDACIÓN LOEWE presenta en la madrileña calle de Gran Vía. Las fotografías de Hujar y  Wojnarowicz, con las que captaron la contracultura neoyorquina de las décadas de 1970 y 1980, se convierten con esta exposición en la octava participación de LOEWE en el festival anual PHotoEspaña.

Hujar y Wojnarowicz aparecen en la muestra como dos creadores autónomos cuya obra, sin embargo, se vincula a través de una trágica amistad que arrancó como una transmisión creativa puramente artística para convertirse en un breve idilio romántico cuyo profundo lazo ni siquiera pudo romper el fallecimiento de Hujar en 1987; a partir de entonces Wojnarowicz inició un importante activismo público que proporcionó visibilidad al SIDA a través de su entrega a las víctimas de esta enfermedad.
LOEWE rinde tributo a su causa con unas camisetas impresas con imágenes del artista que han sido creadas con el apoyo de la Fundación VISUAL AIDS y la P.P.O.W Gallery, representante de su legado. Los beneficios de las ventas serán donados a la organización artística VISUAL AIDS, fundada en 1988 para preservar y promover el trabajo de artistas seropositivos fomentando la consciencia social en torno a esta enfermedad, promoviendo el diálogo con exposiciones de arte visual y publicaciones, y apoyando a artistas vivos afectados de VIH y sida. Esta colección limitada de camisetas podrá adquirirse online en loewe.com y la página web de Visual AIDS, además de en Dover Street Market (Londres y Tokio), Printed Matter y P.P.O.W Gallery (Nueva York) así como en algunas tiendas seleccionadas de LOEWE.

Las imágenes que constituyen la exposición que ofrece PHotoEspaña muestran una crónica que parece llevarnos al East Village de la época, en la que se percibe hasta qué punto ambos artistas se involucraron en la revolución cultural tan radical de entonces; además de la proximidad y relevancia que enfocan injusticias sociales que todavía hoy nos afectan, las imágenes revelan la forma en la que Hujar y  Wojnarowicz encabezaron una oda a la libertad de identidad sexual. La exposición incluye también retratos que Hujar realizó a artistas y creadores coetáneos que simbolizaron, junto a ellos, una clara voluntad de desafío hacia las normas establecidas. Esta muestra desvela el recuerdo de la zona sur de Manhattan como el lugar en el que tuvieron lugar importantes transformaciones sociales y políticas lideradas por un grupo de artistas que todavía hoy nos siguen inspirando.

Peter Hujar y David Wojnarowicz, PHotoEspaña 2018. Galería LOEWE, calle de Gran Vía 8, Madrid. Del 4 de junio al 26 de agosto [Lunes a sábado: 10.00 a 20.30h. Domingos y festivos: 11.00 a 20.00h].

Fotografías: Abandoned Car With Globe, 1988-89 © David Wojnarowicz. Cortesía: Colección Marion Scemama. Merce Cunningham and John Cage Seated, 1986 © Peter Hujar Archive. Cortesía: Peter Hujar Archive.

‘Minor White: metáforas’

La FUNDACIÓN LOEWE presenta, en el marco de PHotoEspaña, la primera exposición individual dedicada a Minor White, uno de los fotógrafos americanos más importantes del siglo XX.

La Galería LOEWE de Madrid acoge, hasta el 25 de agosto la exposición titulada ‘Minor White: metáforas’. Para el director creativo de LOEWE, Jonathan Anderson, ‘la modernidad de Minor White se ajusta de forma natural a la filosofía de la casa porque sus fotografías funcionan en varios niveles. En LOEWE creemos en lo polivalente’. Esta exposición marca la séptima participación de LOEWE en PHotoEspaña y, con ella, la firma española trata de elevar el perfil internacional de una figura artística clave cuyo trabajo fue decisivo para dar forma estética a la fotografía de posguerra.

Cuidadosamente comisionada por María Millán, la exposición presenta 40 copias originales de White que llegan a Madrid gracias al préstamo de la galería Howard Greenberg y otras colecciones privadas. Sus fotografías revelan la visión y el experto tratamiento de Minor White a la hora de componer y utilizar la luz como medio para evocar un estado contemplativa. White reproducía su trabajo dentro de un rico espectro entre tonos negros y blancos, sirviéndose de encuadres de primeros planos para expresar aquello que no se podía mostrar. White llevó una vida de introspección, ocultando su homosexualidad por temor a poner en peligro su carrera académica. La fotografía le permitió mostrar y desarrollar alusiones de su verdadero ser.

En 1952, White ayudó a co-fundar la revista Aperture. Como su editor durante dos décadas, White fomentó la discusión crítica y reivindicó el valor de la fotografía creativa a la vez que utilizó la publicación como foro para difundir sus ideas sobre cómo hacer y leer fotografías.

‘Minor White: metáforas’. Hasta el 25 de agosto de 2017 en la Galería LOEWE (Gran Vía, 8, Madrid).

Fotografías: Minor White. Puente Golden Gate, San Francisco, 1959. Impresión al gelatinobromuro de plata 8,89 x 11,4 cm. Cortesía de Michael Shapiro Photographs. 72 N. Union Street, Rochester, 1958. Cortesía de Howard Greenberg Gallery, NY. Pie desnudo, San Francisco, 23 de marzo de 1947. Impresión al gelatinobromuro de plata 9,36 x 11,74 cm.

Lucia Moholy y su entorno en la Bauhaus

Con motivo de la primera exposición de Lucia Moholy en Madrid dentro de PHotoEspaña, la FUNDACIÓN LOEWE reunió este mes de junio a un numeroso grupo de personas que acudieron al Encuentro LOEWE “Lucia Moholy y su entorno en la Bauhaus”. Belén Moneo, arquitecto y María Millán, comisaria de la exposición, acercaron al público a la estética y a la filosofía de la legendaria escuela, así como a los artistas con los que convivió y retrató.

Anni Albers, 1927

La Bauhaus fue, desde su fundación en 1919 por el arquitecto Walter Gropius, un centro donde se aunaron la artesanía, el arte, la arquitectura y el diseño. Uno de los objetivos era diseñar y producir singulares objetos utilitarios para la vida moderna. Cuando Lucia Moholy llegó a la Bauhaus en 1923 la fotografía no formaba parte de las disciplinas de la escuela. Ella se dedicó, con un estilo personal e innovador para la época, a documentar la actividad diaria de los talleres, además de los diseños y objetos que allí se creaban.

Todos los estudiantes debían superar los cursos obligatorios destinados a trabajar sobre la teoría del color, el uso de materiales, el dibujo y otras materias que les proporcionaban una buena base para acceder a talleres especializados. La Bauhaus fue la primera escuela de arte donde se permitió a las mujeres matricularse. Sin embargo, la paridad no fue total. A las mujeres les estaba vetado participar en algunos de ellos.

Este fue el caso de la artista Anni Albers, a la que se le negó acceso a los talleres de arquitectura y vidrio y se le recomendó que se centrara en el de textil. Allí tuvo la fortuna de trabajar con Gunta Stölz en 1923. Albers pasó de ser una aventajada alumna a enseñar y dirigir el departamento de Textil hasta 1932, fecha en la que se cierra la Bauhaus de Dessau. Anni Albers y su marido, Josef Albers, emigraron a Estados Unidos en 1933 donde dieron clases y desarrollaron sus proyectos personales. El MOMA dedicó una exposición al trabajo de Anni en 1951, la cual itineró por varias ciudades de Estados Unidos durante dos años. Anni Albers se consolidó como la artista del textil más importante del siglo XX.

Florence Henri, 1927Otro caso es el de Florence Henri. Ella comenzó su carrera artística como pintora y en su paso por la Bauhaus en 1927 convivió con László Moholy-Nagy y Lucia Moholy. Ambos compartieron con Florence su pasión por la fotografía y técnicas básicas de este medio. Aunque en la escuela todavía no se enseñaba fotografía, ellos le animaron a desarrollar su trabajo y seguir experimentando con la cámara. Un año después, Florence Henri abrió un estudio de fotografía en París donde continuó con su carrera artística.

La exposición en LOEWE, “Lucia Moholy, cien años después”, invita a conocer la historia que hay detrás de las personas retratadas. Lucia Moholy fue pionera en su tratamiento de la fotografía. También lo fueron, cada uno en su medio, los diferentes artistas cuyos retratos podemos ver en la muestra. No se la pierdan.

Lucia Moholy, cien años después. Hasta el 28 de agosto en LOEWE Gran Vía, 8, Madrid [Lunes a sábado: 10:00 a 20:30h. Domingos y festivos: 11:00 a 20:00h].

Fotografías: Anni Albers, 1927. Florence Henri, 1927. Archivo Bauhaus. Cortesía de Fotostiftung Schweiz. Comisaria, María Millán.

 

Lucia Moholy, cien años después

MoholyBauhausLa exposición que presenta la FUNDACIÓN LOEWE, como parte de PhotoEspaña 2016, muestra 48 fotografías tomadas durante los quince años que Lucia Moholy trabajó como fotógrafa; su aportación como fotógrafa, crítica de arte, historiadora y docente gana mayor reconocimiento cada día y su trabajo es relevante para promover la estética y la filosofía de la Bauhaus.

MoholyAutorretratoMoholy nació en Praga en 1894, donde estudió Filosofía e Historia del Arte y comenzó su carrera profesional en Alemania como editora y escritora para diferentes casas editoriales. Empezó a interesarse por la fotografía en 1915 y tras casarse con el artista László Moholy-Nagy, se incorporó a la Bauhaus en 1923. Fotografió su célebre arquitectura y los espacios interiores con su mobiliario, rompiendo con su estilo las prácticas fotográficas establecidas.

Tras abandonar Alemania, Lucia Moholy se trasladó a Londres y luego a Zúrich donde continuó escribiendo sobre fotografía. Durante años se dedicó a recuperar sus negativos, que habían estado dispersos desde que dejó Berlín. Esta exposición quiere contribuir a restablecer la innegable relevancia de la artista para nuestro momento y para futuras generaciones.

MoholyMueblesBauhaus

Lucia Moholy, cien años después. Hasta el 28 de agosto en LOEWE Gran Vía, 8, Madrid [Lunes a sábado: 10:00 a 20:30h. Domingos y festivos: 11:00 a 20:00h].

Fotografías: Bauhaus Dessau, 1926. Autorretrato, 1930. Muebles de la Bauhaus diseñados por Marcel Breuer, 1923. Cortesía de Fotostiftung Schweiz. Comisaria, María Millán.

Tina Modotti, en PHotoEspaña 2015

Comprometida y sagaz, la fuerte personalidad de la artista Tina Modotti (Udine, Italia, 1896 – México DF, 1942) convirtió su vida en un apasionante relato que con demasiada frecuencia ha terminado por ocultar su excepcional talento como fotógrafa.

Rosas

Ahora, en la quinta colaboración de la FUNDACIÓN LOEWE con PHotoEspaña, se celebra la primera exposición individual de la obra de Modotti en España. Comisariada por María Millán, esta muestra resume un momento especial en la historia del siglo XX: el periodo de entreguerras que ella vivió intensamente.

NaturalezaMuertaModotti

Como discípula y pareja del fotógrafo estadounidense Edward Weston, Modotti se entregó a la fotografía del detalle, de ambientes laboriosos que rayan la antropología, y nos muestra al ser humano envuelto en una realidad social fascinante, de la que no supo ni quiso desentenderse; por otra parte, su primera etapa nos ha dejado magníficos bodegones y estudios de sombras que casi convierten lo cotidiano en abstracción.

De entre las 50 imágenes seleccionadas en esta exposición, LOEWE presta especial atención a las que Modotti dedica a la artesanía, a su entrega y rigor creativo. Valores que han forjado la identidad de la firma y a los que Modotti rindió especial homenaje a través de su cámara.

Tina Modotti, PHotoEspaña 2015. Fotografías cortesía de Throckmorton Fine Art. LOEWE, calle Serrano, 26. Madrid. Hasta el 30 de agosto de 2015 [Lunes a sábado: 10:00 a 20:30h. Domingos y festivos: 11:00 a 20:00h].

ManosPalaModotti

Fotografías de Tina Modotti: Rosas (1924), Naturaleza muerta (1928-29), Manos descansando sobre una pala (1926)